Rodrigo Valenzuela: la fuerza narrativa en la creación visual

El artista visual, Rodrigo Valenzuela (1982), comenzó sus estudios de Arte en la Universidad de Chile antes de emigrar a los Estados Unidos en busca de nuevos desafíos. Luego de trabajar en construcción, decidió estudiar Filosofía en el Evergreen State College y un Master en Artes Visuales en la Universidad de Washington, logrando así ganar conocimientos para su propia reflexión de obra. El Museo de Bellas Artes de Houston, le ha concedido una beca de dos años. Valenzuela llega a Chile para inaugurar “Residuos”, una exhibición individual en el Museo de Arte Contemporáneo durante el mes de Junio; Goalkkeper, Hedonic Reversal y el documental ficción María TV, son parte de esta muestra. Series de fotografía que denotan una reflexión sobre el estudio de trabajo y la imagen, la destrucción y la historia. Fotografías aparentemente caóticas que invitan al espectador a profundizar sobre el acto de creación y la ruina.
En esta entrevista el autor nos entrega su visión sobre la narrativa fotográfica y documental, criticando igualmente el estereotipado rol de la mujer latinoamericana en el cine y la televisión, a través de su vídeo María TV.

Goalkeeper N2 (2004), archival pigment print

Goalkeeper N2 (2004), archival pigment print

1. En la serie “Goalkeeper” expresas que te interesa “situar al público como un observador de la estructura, mostrar como las imágenes son articuladas desde la perspectiva del autor cediendo la responsabilidad de hacer sentido dentro de la fotografía” ¿cómo fue el proceso creativo que te llevó a utilizar tu estudio como escenario de estas representaciones?

Hasta la serie Still life siempre saqué ventaja de la potencia narrativa y la ilusión de realidad que te da la fotografía. Con la serie GoalKeeper quería un “zoom out”, el acto de creación para evidenciar la economía del autor y des-mitificar la producción. Para mi ver la producción de una película o “making off”, es mucho más interesante que la película misma. Cada dia convivimos con imágenes, todo es una imagen, los mensajitos que nos enviamos, la forma en que nos presentamos y la forma en que esperamos que los otros nos reconozcan es una imagen que está articulada y diseminada por el capitalismo. Cuando vemos una película, es bueno ver el making off pues es la forma más fácil de reconocer y recordar toda la plata y esfuerzo que toma crear la ilusión de que todo está bien o que las cosas andan “normal”.

2. En esta serie podemos observar un caos visual entre fotografías y elementos registrados, considerando lo citado anteriormente ¿Cuál es tu intención y como actúa esta en torno al caos y la infinidad de posibles lecturas de cada espectador?

Hace mucho rato que no sé lo que las imágenes “hacen”, pero sé que todas llevan las mejores intenciones de transmitir mis ideas. El monto de lecturas que el espectador les puede dar escapa muchas veces al autor. Es importante para mí reconocer que el trabajo puede y debe ser más inteligente que el artista… Las peores películas son las de M. Night Shyamalan o ese tipo de cineastas que creen que tienen que mantener un secreto, o que creen ser más “vivos” que la audiencia. Con respecto a lo caóticas que las fotografías puedan parecer, todos los elementos funcionan con la capacidad que deberían operar; la madera está con clavos, las abrazaderas están sosteniendo la madera, todos los papeles están juntos..etc. el arreglo de los objetos quiere llamar la atención de un problema más importante que no sólo concierne a los objetos, sino al arte en general, el cual es …sufrir de “sobre-definición”. Cualquier institución le pide al artista escribir un statement sobre el trabajo, lo cual sigue perpetuando al artista como seguidor de modas. Hoy en día encontrarás cualquier artista joven obligado a auto definirse como post-internet artist, post- studio practice artist, 4 wave minimalist, o de alguna clase de marxismo. Al fin, a nadie se le permite decir que quieren hacer trabajos que ayuden a pensar, reflexionar o mejorar su comunidad. O sea se puede, pero no te vas a ganar el premio, la beca o la residencia.

Goalkeeper N4 (2004), archival pigment print

Goalkeeper N4 (2004), archival pigment print

3 . ¿Qué papel juega la fotografía en “Goalkeeper” teniendo en cuenta la co-autoría del público en esta obra? En tu opinión ¿es esto posible?

Las fotografías parecen documentación de una instalación, muchas veces el curador me pregunta si puedo hacer “algo asi” en el espacio. Me gusta que las fotos no se entiendan en contexto fotográfico, pues evidencia las expectaciones que tenemos cuando pedimos ver una fotografía o lo que queremos de ellas. El público siempre es el co autor de las imágenes- esto no es un decir populista sino un poco pesimista… Cuando voy a las montañas o parques nacionales a sacar fotos de paisajes , veo a gente con maquillaje y el palo para la selfi subiendo a la montaña, pues los otros estan esperando “algo” de esa imagen, de ese viaje. Y tú lo quieres hacer también, pero la tuya no es tan buena como la de tu “amigo”. Lo que parecia una democratización en el acto fotográfico con las cámaras en el teléfono, se ha convertido en una jerarquia auto sometida. Hay personas mejores en la montaña, todos la están pasando mejor y haciendo algo más cool.
No sé si es posible inmediatamente, pero romper con las jerarquías en la producción cultural es muy importante y necesario.

4. “Hedonic Reversal” es una serie que usa como cuerpo de destrucción tu propio estudio ¿Cómo conectas la construcción de una ruina y el autorretrato de una sociedad?

Era necesario para mí trabajar en esta serie desde el estudio. No quería ir a lugares como Detroit o para hacerlo más relevante, al medio local; Valparaíso o Concepción, donde la destrucción se da por razones naturales, sociales o económicas. No me pertenece y sería injusto para las personas que sufren o para quienes las ruinas sólo son un síntoma de la forma en que el estado los trata. Pensar en las ruinas es pensar en el futuro y como le damos valor a nuestra historia.

5. En la muestra (título de la exposición) incorporas el video María TV, documental experimental basado en entrevistas a empleadas domésticas y niñeras latinas ¿cómo nació la idea de este proyecto y que conexión personal tiene con la migración latinomericana en USA?

El video empieza con Angel Malo. Las empleadas están tratando de aprender las líneas que Carolina Arregui le dice a Bastián Bodenhofer. En el proceso de repetición y aprendizaje, lo ridículo de la narrativa se hace presente, pero para mí no es un chiste que en la televisión se siga retratando a la mujer trabajadora de la misma forma cada vez. Es inaceptable que la televisión y el cine sean producidos y consumidos mayormente por la clase trabajadora, pero los productores siguen faltando el respeto al trabajador. La culpa es de los actores también, que siguen personificando a caricaturas inexistentes. Directores como Aki Kaurismaki, Bela Tarr, Roy Andersson o los hermanos Dardenne hacen un muy buen trabajo con sus historias del proletariado.
Yo trabajé en la construcción muchos años, no se parece ni de lejos al sueño americano, pero empecé trapeando pisos en Boston, acarreando baldes de agua congelada en el medio del invierno, mirando aprendí la pega y en los descansos me sentaba a leer a Ranciere, Latour, Derrida, etc. Apenas me dieron los papeles me inscribi en la univeridad más barata y más cercana para estudiar filosofía. Mientras, todavía me pagaba con trabajitos de mudanza o haciendo murallas. Durante este tiempo conoci a muchas personas muy interesantes, algunas de las participantes en Maria TV son sicólogas, trabajadoras sociales, chef, corredoras de propiedades y todas fueron empleadas domésticas al principio. Pero bajo las creencias de la television la única forma de que una mujer pueda surgir es acostándose con el jefe…plata fácil para el guionista.

Hedonic Reversal N 15 (2014), archival pigment print

Hedonic Reversal N 15 (2014), archival pigment print

6. En María TV conjugan distintos elementos; narración, hibridez, vida real y ficción, en tu opinión ¿cuál es el rol de los medios en los prejuicios sobre estas mujeres latinas y cómo conectaste estos elementos en tu documental? ¿Cuáles son los puntos de unión de este documental con las series fotográficas expuestas en la exhibición?

Todos mis trabajos los tomo como documentales tanto en las fotos como en videos, creo situaciones donde algo inusual pueda pasar y solamente dejo la cámara rodar…
En las fotografías la cámara está situada en un lugar fijo, lo que pasa enfrente de ella tiene más relación con un performance, con la escultura y el tiempo. No me preocupo para nada del encuadre o la luz. En este caso la imagen se construye en la edición, pues creo que hay una narrativa interior que una acción más que la secuencia cronológica. He aprendido mucho viendo los documentales de los hermanos Maysles o las películas de Cassavettes. En mis vídeos no planeo mucho, en lo que más me preocupo es tener muchas baterías cargadas y muchas tarjetas de memoria. Los siguientes meses son la pega dura, transmitir lo que pasó sin describirlo.

Maria TV from Rodrigo valenzuela on Vimeo.

7. El documental María TV fue financiado a través de www.indiegogo.com , sitio web que ayuda a campañas a financiar tus ideas. Cuéntanos como ha sido tu experiencia como Artista Visual con la autogestión y con Indiegogo.

Lo del financiamiento siempre es complicado. Pero con María TV fue aún más complicado, pues la idea original era completamente distinta. Fui a Costa Rica a grabar unas escenas y el primer día me robaron todo! Así es que cuando volví a Seattle tuve que hace una campaña para comprar las cámaras y los lentes de nuevo. La mayoría del tiempo hago los vídeos con mi propio dinero y por comisión de alguna organización. Por suerte hay un mercado para mis fotografías, lo que me permite subvencionar los vídeos, sin embargo, es fundamental para artistas desarrollar la habilidad de escribir claro y ser preciso con tus ideas para obtener el financiamiento suficiente, pues la mayoría de las personas que te dan el dinero no entienden nada de arte.